Francisco Peró

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Francisco es pintor y en sus obras tiende a mezclar el hiperrealismo con la saturación de imágenes. Esto es por que busca generar tensiones entre la “realidad” con la ficción, entre lo singular y lo colectivo, para esto crea una segunda miradas centrada en el artificio, para situaciones basadas en la realidad.

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¿Cómo comenzaste?

Comencé estudiando arquitectura en la Universidad Andrés Bello y paralelamente tome clases de pintura con Carlos Salazar.  En 4 año decidí dejar la carrera y comencé  a estudiar de arte en la Universidad Finnis Terrae.

Ahí algo así como a los 21 años hice mi primera exposición individual en sala Amigos de arte (la cual ya no existe), luego trabajé con la galería Matthei y en el 2009 comencé a trabajar con Isabel Aninat con quien trabajo en la actualidad.

¿Quiénes son tus referentes?

Me gustan particularmente la manera en que resuelven sus trabajos Kara Walker, Kiki Smith, El bosco, Caravaggio, Olafur Eliasson, Tarantino y David Lynch.

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¿Qué te inspira?

Mi trabajo busca relatar características de lo que entiendo por Sociedad contemporánea.

Esta sociedad que recojo se manifiesta por la incertidumbre y a su vez se ve marcada por un culto hacia el auto ego, la imagen mediatizada y un exceso de información; exceso que en muchos casos hace que la ficción forme parte de nuestra cotidianidad.

Creo que esas características afecta la manera en que nos vinculamos como personas y con nuestro entorno, alejándonos de la naturaleza y las costumbres legadas por nuestros antepasados. Como consecuencia habitamos la historia inmediata descuidando las bases de nuestra propia identidad.

Así mi trabajo busca generar tensiones entre una realidad consensuada y la ficción, entre lo personal y lo anónimo y entre lo singular y lo colectivo, aludiendo constantemente a escenarios o situaciones basados en realidades pero que en una segunda mirada prima el artificio.  

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¿Cómo defines tu estilo?

 El todo es mayor que la suma de sus partes

 Mi trabajo utiliza el concepto de individualismo como eje central, abordado desde la siguiente pregunta/hipótesis; ¿Es la saturación de imágenes en el mundo un fenómeno que influye en el aislamiento del hombre frente a su propio entorno?

Mi trabajo busca hacer coexistir dos situaciones simultáneas: siluetas de individuos representados solitariamente, inmersos en planos de color neutros en contraste con la  saturación de imágenes que estas mismas contienen. A grandes rasgos pretendo trazar una línea entre la  ficción y la

realidad, haciendo un contrapunto entre la forma (silueta) y entre este artificio contenido en este espacio vacío delimitado.

Es de mi interés utilizar siluetas ya que me permite hablar genéricamente de individuos sin tener que categorizarlos a priori dentro de un género o clasificación cultural/geográfica.

En cuanto al elemento narrativo presente en la interacción entre las diferentes siluetas, el objetivo es generar diálogos de diversa índole, como: las manifestaciones de posición de poder y el lenguaje no verbal presente en las acciones y relaciones de la vida diaria.

En términos concretos, el título de la muestra “El todo es mayor que la suma de sus partes” remite al concepto de la Gestalt o piscología de la forma. La palabra Gestalt de origen alemán tiene múltiples significados como figura, configuración, estructura o creación. En esta teoría la mente configura a través de la percepción un todo que es mayor a los elementos aislados que lo componen atribuyéndole más complejidad al mundo que se observa. Esto se vincula con mi trabajo en la interacción que logran los diferentes elementos y mediante una de las leyes principales de la Gestalt, el principio de la relación entre figura y fondo, el contraste que se forma entre estos dos.

La configuración de las siluetas están compuestas a partir de la selección desde un inventario de imágenes. Éstas son mezcladas para formar situaciones que tengan relación con mi imaginario creativo personal. El objetivo es que éstas en su conjunto tengan un ritmo al observarlas en su interacción y totalidad.

Las escenas cuentan un relato abierto,  no declarativo, así las personas pueden proyectar su propio imaginario y sus propias interpretaciones y conclusiones. (texto de mi más reciente exposición)

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¿Cómo es tu proceso creativo?

Trabajo de manera seria y estoy atento a mis propios cambios personales y como estos influyen directamente sobre mi trabajo. 

A titulo personal lo que me importa es avanzar y no encontrar una ecuación que funciona ya que pienso que repetir la misma formula termina por acabar con mi apetito creativo.

Creo que como artista debo mantener autonomía en mi trabajo, buscar una vereda desde la cual me sienta cómodo para hacer mi trabajo y  no olvidarme de mi instinto (cada vez confío más en él) leer harto, estar atento a nuevos referentes y estar constantemente revisando si hay sucesos relevantes del arte, en otras palabras mantenerme al día.

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¿Qué planes a futuro tienes con tu trabajo?

De momento me encuentro trabajando para una exposición  colectiva curada por Rodolfo Andaur titulada “Depresiones Intermedias” a realizarse en el centro cultural de Valparaíso (ex cárcel), una exposición individual en la sala de exposiciones de la universidad de Talca y algunas ferias de arte contemporáneo tales como Chaco, Art Cartagena y Art Miami.

En cuanto al la investigación de mi trabajo tengo interés en participar de alguna residencia en el extranjero aunque aún no me decido donde.

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Puedes ver el trabajo de Francisco Peró en la Galería Isabel Aninat – Espoz 3100, Vitacura, Santiago – en Galería Casa Cuadrada en Colombia y en su web.

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